El despertar

 

EL DESPERTAR

Empezamos la nueva temporada del club con El despertar, de Kate Chopin, considerada por la crítica como una de las obras precursoras de la gran literatura sureña del siglo XX en Estados Unidos, y uno de los primeros testimonios de la narrativa escrita por mujeres. El libro explica la historia de Edna Pontellier, una mujer de clase burguesa que vive en la Nueva Orleans del siglo XIX con una vida aparentemente cómoda, dedicada a su marido, sus hijos y la vida social. Un verano de largas y plácidas tardes, Edna se ve arrastrada por la pasión de los sentimientos amorosos (que antes no conocía) y se trastorna de tal manera que empieza a replanteárselo todo, tomando conciencia de que existe un mundo diferente, atractivo y lleno de nuevas sensaciones que ella se está perdiendo. Como Madame Bovary, la Regenta y Anna Karenina, Edna es una transgresora, decidida a volar de su jaula de oro en busca de un nuevo horizonte que le permita satisfacer su curiosidad y sus ansias de vivir su vida como le plazca. Solo que Edna, a diferencia de las otras protagonistas, ha sido ideada por una mujer (que sabe de lo que habla) mientras que las otras no dejan de estar construidas en base a la visión que de la mujer (por muy heroína que fuese) tenían los hombres del siglo XIX.

En 1884, Kate enviuda de un plantador de algodón de Luisiana, quedando a su cargo cinco hijos y una hija. Regresa a St. Louis, su ciudad natal, y empieza a ganarse la vida como escritora. Al principio, sus relatos sobre el mundo de los criollos y los acadianos de Luisiana, con sus peculiares grupos étnicos, su herencia francesa y sus relaciones con los esclavos o descendientes de esclavos, ya fuera en la sofisticada Nueva Orleans o en las plantaciones y granjas, sorprendieron y agradaron a los lectores. Sin embargo, había en estos textos una extraña nota de rebeldía, un gusto por las mujeres independientes y cierto rechazo al matrimonio y la maternidad que resultaban algo incómodos. En 1899 Kate Chopin publica El despertar, y la misma sociedad que había admirado su maestría para el "color local", le volvió la espalda por la "inmoralidad" de su heroína, una respetable madre de familia decidida a ser libre. Kate fue acusada de indecencia, y provocó un escándalo social tan considerable que fue condenada al silencio y al olvido. Pero no se rindió. Después de este duro golpe, Chopin, profundamente decepcionada pero no derrotada, retomó el plano del cuento breve. En 1900 escribió The Gentleman from New Orleans, y ese mismo año fue incluida en la primera edición de Marquis Who's Who. Kate falleció el 22 de agosto de 1904, a la edad de 54 años, y si bien su relación con la literatura fue agridulce, y durante su vida no se le llegó a reconocer el mérito que merecía, nunca se rindió y continuó escribiendo hasta el fin de sus días. Actualmente, Kate Chopin forma parte del Paseo de la Fama de San Louis.

María y yo

 MARÍA Y YO

Un aspecto muy importante conocido por profesionales de la educación, profesionales de la salud y familias del aprendizaje de niños y niñas con autismo es la utilización de imágenes claras y sintéticas que transmitan ideas o situaciones. En este libro, Miguel Gallardo, acostumbrado a comunicarse visualmente con su hija María, quiere compartirlo con sus lectores y lectoras como si nosotras fuéramos ella y a través de sus dibujos entendamos su mensaje simple y breve de una manera inequívoca. Este libro rebosa imágenes que transmiten sensaciones y emociones de María, de su padre y de su entorno. Miguel, que desde hace años sabe que a María sus fantásticos dibujos la hacen feliz, la tranquilizan y la ayudan a comprender este mundo, quiere utilizarlos también con el resto del mundo para que compartamos las emociones de María hacia él y sus seres queridos.

Muchas niñas y niños con autismo (y también sus familias) sufren la escasa sensibilidad del mundo hacia ellas. Nuestro entorno cada vez es más acelerado, más ruidoso, aglomerado e impersonal. Cada vez menos apto para personas con un exceso de sensibilidad o que sencillamente tienen problemas y necesitan una mínima generosidad. Este libro plasma caras de asombro, disgusto, rechazo cuando María sufre y expresa su malestar en gritos, pellizcos o miedo. Caras que reconocerán las familias que tienen hijas e hijos llamados diferentes y que sienten esas miradas como ráfagas clavadas en sus hijas e hijos y en ellas mismas. La ignorancia puede llegar a ser muy injusta.

Un gran atractivo de este libro es que corrige muchos tópicos sobre las personas con autismo, un síndrome que se diagnostica cada vez con más frecuencia. María no es distante ni fría, sino emocional, afectuosa, más allá de las peculiaridades del trastorno que padece. Todo lo que María hace tiene un significado para ella. Nosotros y nosotras también podemos hacer más feliz a María (y a todas las demás niñas y niños como ella) sencillamente aceptándola tal cual es: única, como todas las demás personas del mundo.

(Del Epílogo de Amaia Hervás a María y yo)

(En julio de 2010 se estrenó en cines el largometraje documental María y yo, dirigido por Félix Fernández de Castro, responsable también del guión a partir de la historia 

María y Miguel 💓

                                                            

                                                             AMB LA RÀBIA AL COS

Amb la ràbia al cos (Look back in anger) es una obra de teatro de John Osborne publicada en el año 1956.  La obra fue un éxito en la escena londinense y generó el término «angry young men» (Jóvenes iracundos) para describir a Osborne y otros escritores de su tiempo que usaron la dureza y el realismo en sus obras para manifestar la frustración, la tristeza y la rabia de una generación que no encuentra su lugar, en contraste con lo que era visto como puro entretenimiento. 

Look back in anger tiene como protagonista a un joven idealista enfadado con el mundo, que en su personal lucha contra el sistema, hunde sin piedad a los que tiene cerca por considerarlos parte de una estructura que él desprecia. Su rabia vital, fruto de un dolor intenso derivado de una dura infancia, unida a su aguda inteligencia convierten a Jimmy (nuestro protagonista) en un hombre mordaz, peligroso a veces, dispuesto a herir (mediante la palabra) a sus seres queridos para hacerlos conscientes de su debilidad, de su poco compromiso, de su conformismo. La pregunta sería si él, más allá de una rabia que nunca le abandona y una dialéctica brillante, utilizada muchas veces como arma hiriente, hace algo para cambiar esa sociedad injusta y opresiva que tanto desprecia.

John Osborne tuvo la oportunidad de estrenar Amb la ràbia al cos dirigida por Tony Richardson en el Royal Court de Londres el 8 de mayo de 1956. Hijo de una camarera y un dibujante, actor en paro en aquel momento, Osborne representa aquello que se denominó la irrupción de las clases trabajadoras en el mundo de la literatura, patrimonio habitualmente burgués. En un primer momento, la critica reaccionó más bien negativamente ante el montaje, tildando la obra de melodramática, excesivamente larga, convencional o "chillona", pero esta misma crítica también reconoció su fuerza, el acertado dibujo de la compleja personalidad del protagonista y la perfecta descripción de la vida triste y decadente de los personajes. La representación de un acto de la obra en la televisión hizo que mucho público acudiese a verla, por sentirse identificado con lo que en ella se describía. Si Jake Barnes, de Hemingway, había representado la decepción de la primera postguerra, Jimmy Porter (nuestro protagonista) se convirtió en el símbolo de la segunda. Jimmy, en sus largos monólogos, alterna rabia, ironía,  juego y ternura, con unos feroces ataques contra los que le rodean para, según su parecer, hacerlos salir de una relajación y una educación que los mantiene inertes ante una realidad intolerable. Como a veces también resultan intolerables su crueldad neurótica y la brutalidad de sus ataques, que si bien desestabilizan a sus compañeros, amigos y amantes, no provocan ningún cambio en esa realidad que él tanto odia. Jimmy, con sus luces y sus sombras, no deja de ser un joven perdido incapaz de encontrar su camino, un joven inadaptado que no sabe luchar contra un mundo del que se siente expulsado y que es incapaz de demostrar amor a las personas que realmente quiere.  

 

ÉRASE UN RÍO

Tras la muerte violenta de su padre, Margo Crane, de dieciséis años, con una escopeta Marlin, unos cuantos víveres y una vieja biografía de Annie Oakley, remonta el río Stark en busca de su madre. Pero el río ya no es el animado paraíso fluvial de su infancia. Ahora es un lugar peligroso. Un lugar habitado por matones, barqueros ebrios, traficantes de metanfetamina y tramperos tristes y solitarios. Chacales y basura a la deriva. Y todos fantasean con domarla. Pero ella no quiere ser la razón para vivir de nadie. No es la niña loba, ni la asesina, ni la esposa ideal con la que todos sueñan. Solo es una chica que necesita unas cerillas, un perro y un poco de gasolina para su motor fueraborda.

Margo representa la fuerza, la valentía y la libertad. Ella, como el río, fluye con la vida y no deja que nada ni nadie la detenga en su deseo de vivir en contacto constante con la naturaleza y siempre de acuerdo a sus principios y su necesidad de libertad. Con sólo 16 años, una madre que se fue de casa y un padre que acaba de morir, Margo se ve obligada a sobrevivir sola. Armada siempre con su escopeta y sirviéndose de lo que le enseñó su abuelo sobre la caza y la naturaleza, se enfrenta a la supervivencia en un entorno en el que el río no es el mayor peligro. Serán determinados hombres y la esperanza de una nueva vida junto a su madre los que supongan la amenaza más peligrosa para la joven, que a pesar de todo no se rinde ni se deja doblegar.

La narración fluye como el río, otro de los protagonistas de la novela, con ritmo y naturalidad, aunque de vez en cuando haya sobresaltos e imprevistos debido a la naturaleza indómita de una (Margo) y otro (el río). Para Margo, el río es una parte de ella misma, es incapaz de vivir lejos de él, lo necesita, es su medio natural. Y no está dispuesta a permitir que nadie la separe de él.

La obra de Bonnie Jo Campbell gira en torno a la vida rural de la América profunda. Sus personajes están a mitad de camino entre la esperanza y la desolación, pero nunca se rinden. Es una autora que maneja de forma sorprendente los ritmos y que tiene la habilidad de ofrecer luz tocando temas oscuros. Campbell es, probablemente, la escritora estadounidense que mejor ha sabido reflejar el alma de las mujeres que están hartas del mundo que las rodea y no se someten a él. Sus protagonistas no se quedan de brazos cruzados cuando los hombres las violentan. No, ellas cogen un arma y plantan cara.

 

           INDIGNO  DE   SER  HUMANO           

Publicada por primera vez en 1948, Indigno de ser humano es una de las novelas más célebres de la literatura japonesa contemporánea. Su polémico y brillante autor, Osamu Dazai, incorporó numerosos episodios de su turbulenta vida a los tres cuadernos que conforman esta novela y que narran, en primera persona y de forma descarnada, el progresivo declive de Yozo, joven estudiante de provincias que lleva una vida disoluta en Tokio. Repudiado por su familia tras un intento de suicidio e incapaz de vivir en armonía con sus hipócritas semejantes, Yozo malvive como dibujante de historietas y subsiste gracias a la ayuda de mujeres que se enamoran de él pese a su alcoholismo y adicción a la morfina. Sin embargo, tras el despiadado retrato que Yozo hace de su vida, Dazai cambia repentinamente de punto de vista y nos muestra, mediante la voz de una de las mujeres con las que Yozo convivió, una visión muy distinta del trágico protagonista de esta perturbadora historia. Con un estilo llano y delicado, carente de descripciones y centrado en las acciones, la obra narra la triste realidad de un joven incapaz de afrontar la vida en la ciudad, incapaz de mantener una relación coherente o sana ni con mujeres ni con allegados ni consigo mismo.

La obra tiene mucho de autobiográfico, pero también de premonitorio: Yozo hace varios intentos de suicidio en la novela, incluido el intento de ahogarse en el río con su mujer, lo cual no deja de ser impactante porque Osamu Dazai en 1948 —poco antes de cumplir los treinta y nueve años— se suicidó con su amante en Tokio arrojándose a un canal del río Tama. Fue el último de los cuatro intentos que había llevado a cabo a lo largo de su vida. Así, la obra tiene la forma de un grito silencioso oculto entre las páginas y tal vez incluso pueda considerarse una petición de ayuda.

Indigno de ser humano se ha convertido, con el paso de los años, en una de las obras más populares de la literatura japonesa, superando los diez millones de ejemplares vendidos desde su primera publicación en 1948.

                                           La senda del perdedor                                

 

Una novela autobiográfica, contundente como un golpe preciso, que nos muestra una visión bien distinta del Sueño Americano, una visión «desde abajo», desde los pisoteados y humillados: la infancia, adolescencia y juventud de Henry Chinaski, en Los Ángeles, durante los años de la Depresión y la Segunda Guerra Mundial. Un padre maltratador que cada día finge acudir puntualmente al trabajo para que sus vecinos no sospechen que está en paro; una madre apaleada por el padre, que sin embargo está siempre de su parte; un tío a quien busca la policía; un mundo de jefes, de superiores aterrorizados por otros superiores. El joven Chinaski -algo así como un hermano paria de Holden Cauldfiel, el dulce héroe de Salinger en El guardián entre el centeno- tiene que aprender las reglas implacables de una durísima supervivencia. 

En este libro inolvidable y descarnado, escrito con una ausencia total de ilusiones, se transparenta, evitando la autocompasión, una estoica fraternidad con todos los chinaskis, todos los underdogs de la «otra América»: la de los patios traseros, los bares sórdidos y las oficinas de desempleo... 

Charles Bukowsky (Andernach, 1920 - San Pedro, California, 1994) desarrolló su obra en la línea del anticonformismo californiano de la generación beat y utilizando un lenguaje agresivo y una temática marginal, a menudo obscena o violenta, elaboró una obra singular, entre cuyos títulos destacan El cartero (1971), Escritos de un viejo indecente (1969), Ordinaria locura (1976) y Música de cañerías (1983).

El elemento autobiográfico es en el fondo el aglutinador del conjunto de la obra de Bukowski, quien se empeña en magnificar, incluso con recursos cómicos, su condición de bebedor y mujeriego empedernido, de habitante de submundos relacionados con sus numerosos empleos y ambientes deportivos como el de las carreras de caballos, el boxeo o el béisbol.  Sus relatos describen siempre realidades degradadas (en realidad, incluso sus novelas no son más que secuencias de narraciones breves unificadas por un yo narrador), reflejo de la monstruosidad de ciertos ámbitos de las ciudades norteamericanas, especialmente Los Ángeles.

La senda del perdedor es una obra brutal e inolvidable (para bien y para mal), protagonizada por un joven desencantado y sin aspiraciones cuya única escapatoria a su terrible día a día es la silenciosa sala de lectura de la Biblioteca Pública de Los Ángeles, y ya sólo por eso vale la pena leerla...

 

Caída y auge de Reginald Perrin

Inspiradora de una de las comedias televisivas más famosas de todos los tiempos, Caída y auge de Reginald Perrin es una obra maestra del género humorístico en el ámbito anglosajón. Su protagonista, Reginald Perrin, es un hombre gris; un mediocre e infeliz ejecutivo de ventas cuarentón, que malgasta sus días en la empresa Postres Lucisol, sometido a un jefe estúpido para el que desempeña un trabajo alienante, mientras lleva una vida suburbana al lado de su esposa y una familia plagada de gorrones. Hasta que un día, entregado a continuas fantasías que le apartan momentáneamente del sopor, decide tirarlo todo por la borda y dar el gran paso: desaparecer sin dejar el menor rastro, simular su propio suicidio, y adoptar una segunda identidad para volver a comenzar desde cero. Pero no será tan fácil como esperaba porque, en realidad, su vida no le disgusta tanto como pensaba. A pesar de estar harto de su aburrida existencia, cuando desaparece descubre lo mucho que echa de menos a su mujer, hijos y demás familia y también descubre lo mucho que ellos lo echan de menos a él.  Reginald Perrin se da cuenta de que, al final, pueden más el cariño y el apego a los suyos que el deseo de una nueva vida, lejos de todo lo hasta entonces conocido. Y descubre también que muchas veces no valoramos lo que tenemos hasta que lo perdemos.
Un clásico de la comedia, considerado uno de los libros más divertidos,  entrañables, crueles e irreverentes de la literatura inglesa.  La novela dio lugar, a finales de los 70, a una mítica serie que contó con el propio escritor como guionista. 

 

David Nobbs (13 de marzo de 1935-8 de agosto de 2015) fue un humanista apasionado y un férreo defensor de los ideales del secularismo. Fue patrocinador de la Asociación Humanista Británica y a pesar de haber sido un devoto religioso en su adolescencia, a los 18 años se transformó en ateo. A partir de ese momento, durante toda su carrera utilizó su trabajo para explorar ideas humanistas sobre la naturaleza de las personas y sus relaciones. ​Como anécdota, cabe decir que en septiembre de 2010, junto con 54 otras figuras públicas, firmó en una carta abierta al periódico The Guardian, declarando su oposición a la visita del Papa Benedicto XVI al Reino Unido.​ Nobbs estaba dotado de una vena cómica incombustible y colaboró con muchos comediantes británicos de su tiempo. En definitiva, un autor brillante al que vale la pena conocer.